antes habitábamos genealogías, ahora somos geodesias

el blanco de los mapas. trayectorias genealógicas vs nodos geodésicos

La GENEALOGÍA define nuestra TRAYECTORIA como seres humanos, coartados genéticamente entre nuestra ascendencia y descendencia, enmarcados en el seno de una familia, entorno y sociedad de sexos, clases, tribus, etiquetas y signos políticos, oprimidos en un territorio limitado por fronteras.
Sin embargo, los CIUDADANOS CONECTADOS ya no nos relacionamos condicionados por nuestra genética, herencia, familia, género, casta o clan: nos revelamos como hologramas hedonistas, FOTOGRAFÍAS DE PERFIL ciber relacionados anárquicamente en función de nuestros íntimos deseos.

Las AUTO-FOTOS son representaciones ideales de la resistencia. Una imagen prefabricada a medida y aspiracional.
El ciber espacio democrático es el lugar de la libertad de expresión, las oportunidades múltiples y la continúa reinvención.
El SELFIE nos transforma en elementos autónomos, libertarios, con capacidad para ficcionar nuestra identidad, premeditar, repensar, editar o borrar nuestro género, etnia y personalidad.

No se trata de elegir entre aceptar la cruda realidad o vivir la fantasía de black mirror, pero, si sustrajéramos la fantasía de la realidad, la existencia efectiva perdería consistencia y atractivo.
Si elimináramos lo que tiene de real el mundo virtual, de nuestro YO IDEAL desaparecería nuestro YO ÍNTIMO.
El YO DE LA RED es el YO PROYECTADO de nuestros anhelos, el YO AUTÉNTICO liberado de la cárcel de un cuerpo con género, raza, tipo social y limitaciones territoriales.

La nube, como el Arte, no es el espacio despiadado retratado por neoluditas, sino un espacio de REPRESENTACIÓN SIMBÓLICA y LUGAR DE PROTECCIÓN para nuestro AVATAR, para la auto gestión de nuestro mejor yo, un conglomerado incorpóreo, igualitario, desclasado, sin género, ilimitado, donde nada nos puede dañar.La permanente conectividad de nuestros cuerpos, habitando redes inter-metropolitanas de intercambio transforma radicalmente nuestra corporalidad,
Somos NODOS EXPERIENCIALES, REVOLUCIONARIOS, LIBRES testando deseos en una comunidad global líquida, sin castas, cooperante, transnacional, sin distancias ni fronteras.

Liberados de linajes, cuerpos, clases y tramas urbanas, nuestras identidades móviles ya no habitan ciudades geográficas, sino redes humanas.
Somos puntos.net conectados digitalmente a pantallas móviles residiendo libremente en geodesias de nodos interestelares.
ANTES definíamos TRAYECTORIAS habitando GENEALOGÍAS, AHORA somos GEODESIAS.

mayo de 2018. Frecuencia 1.11. Ana Laura Aláez. Madrid45. Programa de Artes Visuales. Comunidad de Madrid

Frecuencia 1.11. Ana Laura Aláez. Madrid45. Programa de Artes Visuales. Comunidad de Madrid

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conversación abierta

conversar desde el cuidar y ser cuidado

PARTICIPAR de la exploración colectiva de prácticas de cura, afecto, cariño y preocupación por los “asuntos” y las “materias” de los CUIDADOS, reflexionando en común sobre cómo cuidamos de lo que nos rodea y cómo son cuidados nuestros cuerpos, nuestros yoes y nuestro entorno, sabiendo que no somos en nosotros mismos, sino en las necesarias relaciones e interacciones, con capacidad para imaginar alternativas éticas y políticas o visibilizar responsabilidades sobre la incorporación de una ética del cuidado (Blanca Callén).

Pensando con cuidado (s), haciendo visible el trabajo del cuidado y generando cuidado en colectividad:

▫ Asumiendo el lugar margen como fuente de inspiración epistemológica, integrando filosofías neo- materialistas, eco-feminismos posthumanistas, compañerismos materiales, la sostenibilidad o la ecología.

▫ Comprometiendo un análisis flexible y situado de detalles materiales, sociales y culturales en sus contextos vivos y cambiantes de inserción.

▫ Desplazando la atención de la cultura y los ritos sociales estandarizados, leyendo al público como herramienta “participante” de las estrategias de desarrollo y no como usuario homogéneo a quien darle soluciones, incorporando a actores desatendidos, dedicando la atención a agentes olvidados y a entidades no estereotipadas que sean tenidos en cuenta simultáneamente como parte de un continuo entre naturaleza y cultura.

▫ Comunicando mediante voces propias afectadas por otros sentidos, desde dimensiones no-verbales, visuales y táctiles, realizando un cambio de énfasis y análisis contextual que evite la intermediación del conocimiento y que preste atención al saber-hacer y al mostrar cómo hacer.

▫ Evitando binarismos, atajando divisiones existentes e incentivando el diálogo entre saberes para abrir la reflexión a otras escuchas, devenires, relaciones y quehaceres participativos, para transformar la incomodidad del no-saber en un saber-hacer compresible a través del contacto con lo mundano y su materialidad que produzca conocimiento colectivo inteligible.

▫ Participando de ejercicios de investigación insertos en contextos de diálogo y debate, posicionando reflexiones vinculantes, constructivas y críticas con nuestro objeto de estudio, dando la bienvenida a la producción de nuevos discursos sensibles, promoviendo prácticas especulativas, realizando aportaciones no resolutivas, produciendo conocimiento expandido que circule en distintas direcciones, colocándonos en espacios no jerárquicos de reconocimiento mutuo.

▫ Estando en el problema, habitando situaciones complejas, olvidando la necesidad de la resolución o la buena respuesta al enunciado, anteponiendo la incertidumbre, especulando, interrogando posibilidades y testeando opciones y efectos, con el objetivo de tantear modos de intervención sobre la realidad sin estabilizarla, ni resolver sus desequilibrios ni desactivando sus conflictos.

▫ Reivindicando a la materia no como receptáculo inerte, sino como productora de sociedades, políticas y relatos, al igual que las sociedades que producen materialidades.

▫ Evidenciando relacionalidades que existen en proceso y que dependen del acto de contactar y de tocar a otros actores, mediante la incorporación de los intereses de humanos y de agentes no-humanos, incluyendo objetos y sensaciones como materialidades participantes de la construcción de conocimiento, estudiando los efectos socio-económicos que produce lo no humano material, planteando que tiene la misma relevancia y necesidad de atención cuidadosa que los tradicionales usuarios.

▫ Deviniendo con el medio (“becoming with”) y con lo estudiado de forma responsable mediante aproximaciones empíricas “críticas generativas” (Helen Verran, 2001).

▫ Desactivando el control del poder jerárquico-normativo que borra especificidades, eludiendo procesos predefinidos por hegemonías, costumbres o circunstancias institucionales.

▫ Generando registros abiertos que ensamblen desatenciones, encarando procesos de sistematización que acerquen las reflexiones en torno a las experiencias, en relación con las tecnologías como redes complejas que sostienen la vida actual.

▫ Reflexionando con potencialidad y devenir creativo en el posicionamiento de otras formas de producción de conocimiento, con el cuidado como forma de estudio, relación y representación de “asuntos” y “materias” que tienen efecto en la construcción de pensamientos, investigaciones, redacciones, relatos o, en palabras de Donna Haraway, promoviendo prácticas expandidas que construyan MUNDOS (Haraway: “worlding practices”).

DIALOGAR en conversación abierta la producción de giros conceptuales y rearticulaciones de ideas sobre contextos y construcciones de imaginarios colectivos de territorios y edificios, reflexionando sobre cuáles son los objetos de interés en los programas de planeamiento y construcción, para quienes ser proyecta, etc…

Pensando, visibilizando y generando CUIDADO (s) en meta-construcciones metodológicas provenientes de la disciplina profesional del planeamiento urbanístico y la arquitectura:

▫ Entendiendo el MUNDO como un ecosistema continuo entre naturaleza y cultura.

▫ Visibilizando agentes olvidados por la arquitectura y el urbanismo: los animales, las plantas, el medioambiente o el clima.

▫ Construyendo desde un no-lugar (Suchman, 2002) inevitablemente marcado por la disciplina profesional, pero desmarcado de intereses y parcialidades.

▫ Estimulando una sensibilidad de identificación de lo excluido por las formas de conocimiento.

▫ Diseñando dispositivos especulativos y relacionales que incluyan en el espacio a todos los agentes del hábitat.

▫ Entendiendo la ciudad como una “acumulación de ensamblajes socio-materiales de redes heterogéneas de espacios, prácticas, humanos, no humanos y artefactos”.

▫ Comprendiendo el edificio como un “sistema sociotécnico participante en ecosistemas mayores”, así como “infraestructuras afectivas blandas” (Nerea Calvillo, 2016).

▫ Incluyendo lo no-humano como “partícipe” del territorio, “usuario” de la arquitectura y “constructor” de lo político, social y cultural.

febrero de 2019. conversación abierta 2019

el lugar existía, pero no era. cartografiando lo invisible.

en los márgenes del arte

Siempre me ha atraído esa parte invisible de los barrios que todavía pervive y que se resiste a ser engullida por la voraz máquina capitalista. Ello unido a mi formación y práctica profesional como arquitecta-urbanista, me animan a plantear una investigación en los márgenes del arte basada en el cuestionamiento de mecanismos que operan para la construcción tradicional de los relatos del consumo turístico y la divulgación cultural (la visita guiada, la audioguía, la guía turística o de viajes) y de las tesis académicas y los estudios institucionales (la guía arquitectónica, el ensayo urbanístico o la memoria histórica), tomando prestados sus convencionales nombres y formatos, pero aplicando metodologías teórico-prácticas en dialécticas del cuidado y la escucha de:
▫ Centros vs. periferias urbanas.
▫ Urbanizaciones burguesas de manzana cerrada (con piscina privada) vs. Barrios.
▫ Turistas/visitantes vs. habitantes.
▫ No-lugares vs. espacios.
▫ Paseos de Jane vs derivas situacionistas.
▫ Agentes (in)voluntariamente transformadores de los fenómenos de gentrificación vs lugares sin diseñar, vacios insterticiales del bloque abierto o descampados urbanos.

Persiguiendo objetivos para un arte útil:
▫ Un análisis de la producción y difusión del espacio mercantilista alejado de las necesidades de la sociedad que lo vive.
▫ Una crítica contextual -contra-urbanismo, arqui-política, resistencias y (r)evolución- que materialice y (re) signifique problemáticas.
▫ Una atención a una arqueología de capas de historias y usos, a lo silenciado-oculto, a lo menor innombrado, a lo proyectado que no fue o a aquello que desapareció por causa de la especulación liberal.

Construyendo y propagando narraciones alternativas en forma de una anti-guía colectiva:

▫ Realizando visitas no-guiadas que transformen el papel de “guía” y “visitante” en comunidades de cuerpos posicionados socio-políticamente que transitan y habitan los espacios, incorporando narraciones a las acciones y recorridos espaciales, atendiendo a condiciones performativas, favoreciendo aproximaciones y encuentros con lo invisibilizado.

▫ Realizando visitas no-guiadas que transformen el papel de “guía” y “visitante” en comunidades de cuerpos posicionados socio-políticamente que transitan y habitan los espacios, incorporando narraciones a las acciones y recorridos espaciales, atendiendo a condiciones performativas, favoreciendo aproximaciones y encuentros con lo invisibilizado.

▫ Analizando fuentes de acceso a información no-normativizada para la construcción de contenidos descriptivos de las “visitas”, cediendo protagonismo a la subjetividad oral de la memoria del “habitante” para producir simbolos populares mientras se re-editta, se interpreta y se contradice.
▫ Creando archivos participativos de recuerdos e intrahistorias:
▫ Sonoros: testimonios en primera persona.
▫ Escritos: fichas de relatos.
▫ Visuales: fotografías y vídeos de archivo y campo.
▫ Mappings: planos-guía de libre geolocalización.
▫ Repositorio digital abierto.
▫ Registrando los not guided tours en forma de audioguías.
▫ Provocando conversaciones-réplicas.

…y el barrio de San Isidro (Carabanchel) como case study. En él ha transcurrido gran parte de mi vida y en él se sitúa buena parte de mi educación sentimental:
▫ Eros (los parques y lo festivo) y Tánatos (las sacramentales históricas y el tanatorio).
▫ El pasado industrial (las fábricas textiles de Oporto, Eko –Economato- y Artbanchel).
▫ Los cines de barrio (Florida, Cinema España, Kursal).
▫ Las colonias franquistas (Tercio Terol, Caño Roto) y los realojos.
▫ El Canódromo…o el solar de Matute

… Evidenciando que los espacios que existen, ante todo SON.

enero de 2019. en los márgenes del arte 2019

otras perspectivas: resistencia y evolución

pilar albarracín (artista)

En el trabajo de Pilar Albarracín hay un interés por profundizar del nuevo papel del/a artista contemporáneo/a dentro de nuestra sociedad, sus funciones y responsabilidades dentro del contexto artístico actual.
El papel del artista en el ámbito del arte contemporáneo actual es el de un autor-actor social que interpela a través de mensajes intelectuales que trascienden el ámbito puramente estético, frente al mero productor de trabajos materiales con valores meramente apreciativos.

La producción artística actual se desplaza, por tanto, desde la práctica estrictamente objetual hacia la práctica contextual, creando objetos, narrativas, emociones e imágenes poéticas que re-significan situaciones a menudo procedentes de lo íntimo, lo doméstico, la costumbre o la tradición.

El arte contemporáneo re-significa objetos y usos cotidianos para dar lugar a una infinidad de lecturas, des- contextualiza acciones y vincula la naturaleza de la creación a la construcción de identidades culturales, a las reflexiones críticas y a sus incidencias en los contextos sociales y políticos circundantes, refleja exigencias y demandas culturales, sociales y políticas y denuncia situaciones problemáticas socio-culturales del contexto, asociadas al género.

A su vez, el interés delimitación del contexto y las repercusiones sociales de las creaciones artísticas contemporáneas y hacer un análisis de lo performativo de la creación artística aplicado a la reflexión sobre la activación social de la experiencia estética.

Las iniciativas artísticas como herramienta para la activación de pensamientos en torno a situaciones hegemónicas en diferentes ambientes sociales, introduciendo cambios en los formatos tradicionales del Arte e incorporan en sus discursos recursos y estrategias de manifestaciones de la protesta social y política, con intervenciones performativas y de creación objetual para la instalación, o acciones de apropiación del espacio público, desde narrativas que, aún procediendo de lo íntimo, se lleven a cabo actos frente al otro que irrumpas las lógicas de lo consabido, provocando reacciones en los espectadores para hacerlos partícipes y constructores activo del desarrollo de la obra artística contemporánea.

Y aún existiendo paralelismos y divergencias en los planteamientos conceptuales, semánticos y formalizadores de la producción artística de una misma generación de artistas, la diversidad no implica absoluto eclecticismo y son muchas las afinidades generacionales puesto que la experiencia artística es un medio de conocimiento.

Lo importante, en suma, es encontrar vías para la producción de las ideas y resolver la tensión entre búsqueda, experimentación y conservación a través de la reflexión en torno a la finitud y perdurabilidad de la creación contemporánea, entendiendo la disciplina y práctica de la conservación no desde la perspectiva tradicional de la Institución, sino desde la visión del artista contemporáneo, interesado en la preservación de sus ideas y en la perdurabilidad material y simbólica de sus prácticas artísticas.

En este aspecto, es igualmente esencial situar la importancia de la tradición oral en el arte contemporáneo y la creación de nuevos registros, dado que entiendo el arte contemporáneo como un pensamiento que se une a la vida misma, donde, a menudo, es la memoria la única encargada de comunicar un tiempo efímero e irrepetible. Las investigaciones en torno a la tradición oral y sus narrativas permiten, además, expandir el campo de experimentación de la memoria viva que se transmite de manera estrictamente oral o mediante modos de vida, ritos, religiosidad popular, poesía, relato, técnicas o curas tradicionales, generando nuevas metodologías de intervención en el Arte Contemporáneo, así como nuevos registros.

Además, es necesario reivindicar en la actualidad el papel del artista como gestor de su propia producción y viceversa, la gestión de proyectos artísticos como discurso artístico. Así, las iniciativas de auto-gestión individual y de plataformas colectivas de artistas de investigación e intercambio de pensamiento generan nuevos dispositivos y redes de circulación y exhibición de sus prácticas artísticas fuera de los espacios tradicionales e institucionalizados del arte actual.

Por último, es necesaria la reflexión sobre las posibles vías de documentación del proceso creativo, dado que la conservación y restauración del arte contemporáneo actual es una actividad compleja. La oralidad registrada en forma de conversaciones y entrevistas a artistas podrían proporcionar información directa sobre sus procesos creativos, pudiendo ser fuentes de documentación valiosas para la toma de decisiones en los tratamientos de conservación y restauración, así como para el estudio e investigación de las obras, su comprensión, interpretación y valoración.

Idéntica importancia la reflexión sobre la vulnerabilidad de la obra contemporánea, su dimensión temporal, su evolución o su carácter efímero; percibir el cambio y, con él, la dimensión temporal de las obras para evidenciar el proceso creativo o incluso en hacer de este proceso la propia obra artística.

En definitiva, Pilar Albarracín plantea interesantes ejercicios de identificación, análisis y diálogo en torno al panorama artístico actual, de reflexión sobre procesos analíticos que ahondan en los pensamientos conceptuales del arte y que son generadores de ejercicios de producción artística, de creación de formas de pensamiento cultural, de género, social y político que se traducen en formas de producción artística y de identificación de las perspectivas actuales del arte con la representación cultural de las nuevas ideologías y paradigmas del mundo contemporáneo.

enero de 2019. tabacalera promoción del arte

Tabacalera Promoción del Arte

auzoa. ejercicios de desplazamiento

bulegoa z/b {oficina de arte y conocimiento}

Bulegoa z/b propone “ejercicios de desplazamiento” en “vecindad” a partir de una “aparentemente” sencilla pregunta “Y tú, ¿cómo estudias?”:

Coger el término “estudio” (y sus partes) con el fin de romperlo o incorporarle significados e “irnos” (o derivarnos…o dislocarnos), partiendo de las “investigaciones” desarrolladas por Stefano Harney y Fred Moten y “desplazarnos”, desde sus trabajos en torno a los “abajocomunes” o “subcomunes ilustrados”; el concepto de “negritud” como posición y pensamiento y la doble acepción de los “estudios negros”, las relaciones “criminales” con la institución educativa, el “planear fugitivo”, como “polizones”, en el ámbito de las prácticas cotidianas colectivas como son los grupos de lecturas, las charlas en común o el cineforum, todas herramientas metodológicas para el estudio siempre entendido como una práctica no individual, sino de la colectividad y de sus límites.

El ESTUDIO como la suma de las actividades cotidianas como pasear, charlar, bailar, trabajar, amar, cuidarnos, sufrir…que realizamos JUNTXS las PERSONAS.

El CONCEPTO como una manera de vivir juntxs y ponernos de acuerdo. El ENSAYO como IMPROVISACIÓN.

El TEXTO entendido como espacio social abierto en el que pasa de ser OBJETO DE estudio a ser MOTIVO PARA éste.

La INTELECTUALIDAD como práctica -intelectual- común y, por tanto, SOCIAL.

Las FORMAS DE TRABAJO como COLABORACIONES no efectivas, sino AFECTIVAS (y como una manera más de pensar en el intercambio, la hermandad, los cuidados y el amor).

La ESCUELA PARA EL ESTUDIO y EL MUNDO SOCIAL DEL ESTUDIO como prácticas transversales para estar, convivir y trabajar juntxs, colectiva y socialmente, escuchando horizontalmente al otrx -física, intelectual y sensorialmente-, desde una preocupación sensible y un ejercicio de la complicidad para hacer causa común en la consecución de una sociabilidad de acompañamiento radical ante las situaciones de riesgo y de soledades urbanas provocadas por las violencias sociales del capitalismo.

noviembre de 2018. Madrid45. Programa de Artes Visuales / Comunidad de Madrid

hablar por boca ajena

david g. torres (crítico de arte y comisario de exposiciones)

A las preguntas formuladas por David G. Torres en su “Hablar por boca ajena” podrían añadirse nuevas preguntas en relación a la figura del comisario artístico como un charlatán usurpador de ideas ajenas:

¿Cuáles deberían ser las funciones de un comisario artístico?
▫ mediar con la institución, los artistas y el público.
▫ defender las obras de los artistas frente a las políticas culturales y territoriales de las instituciones.
▫ intermediar para el entendimiento por parte de la institución y del público de la práctica artística.
▫ proteger al artista de los vaivenes de las políticas culturales.
▫ criticar las políticas culturales institucionales y el Mercado del Arte.
▫ centrarse exclusivamente en los contenidos de la exposición.
▫ elaborar propuestas y conseguir financiación.

¿Cuál sería su responsabilidad?
▫ en el desarrollo del Arte.
▫ en la educación artística de una sociedad.
▫ como sujeto político.
▫ en la representación de la cultura de una comunidad.
▫ en la lucha frente a políticas culturales como marca, turismo, espectáculo y promoción o explotación económica.
▫ en la institucionalización de modelos culturales previsibles.
▫ en la creación de mecanismos al servicio de prácticas sociales y culturales.

¿Cuáles podrían ser formas de expresión?
▫ el discurso curatorial, la teoría curatorial y los estudios teóricos.
▫ la praxis tradicional, la práctica curatorial de las exposiciones.
▫ las formas no exclusivamente expositivas: encuentros, charlas, seminarios, talleres…
▫ los soportes impresos: catálogos, libros-catálogo, publicaciones periódicas, coffee-table books…

¿Cuáles podrían ser sus estructuras?
▫ el profesional libre, freelance, independiente.
▫ el curador “funcionario” al servicio de a la práctica artística de la institución.
▫ colectivas, transversales, horizontales…

¿Cuáles podrían ser los desarrollos futuros del comisariado?

David G. Torres comparte estas conversaciones, discusiones y derivas en torno a los diversos aspectos del discurso y la praxis curatorial actual.

junio de 2018. madrid45. programa de artes visuales / comunidad de madrid

frecuencia 11.1

ana laura aláez  (artista)

Ana Laura Aláez crea un programa de Radio – Arte que contamina las ondas radiofónicas con un laboratorio de creación artística contemporánea a través de la construcción de una narrativa plástica que superpone espacios, voces, sonidos, historia sonora, músicas, imaginarios o geografías, a través del tiempo y del aire.

En él, los participantes son sujetos activos que son “entrevistadores” y “entrevistados” en búsqueda y rastreo de arqueologías personales a través de cuerpos, experiencias, historias y memoria, en entrevistas que intercambien papeles.

Enlaza este proyecto de exploración sonora con la noción de “trayectoria”, “herencia” y “evolución” del trabajo de un creador a lo largo del tiempo y la evocación de su significado cinemático como lugar geométrico de posiciones sucesivas por las que pasa un cuerpo en su “movimiento”, evidenciando la energía que pasa desapercibida en los procesos artísticos de creación interna, así como la dependencia del punto de vista del observador como sistema de referencia para describir su actividad y para la construcción de la imagen de uno mismo y de los imaginarios colectivos y sociales.

mayo de 2018. madrid45. programa de artes visuales / comunidad de madrid